05/05/2017

DVD et blu-ray : Paterson, le conducteur poète roule dans les rues de Paterson


Un cahier, un stylo, quelques mots : la beauté. La vie de Paterson, chauffeur de bus dans la ville de Paterson dans le New Jersey, se résume à ces mots qu’il griffonne le matin avant de lancer le moteur de son véhicule et le soir sur sa minuscule table installée dans la cave de son domicile. Des mots qui, alignés avec grâce et intelligence, deviennent des poèmes, comme autant d’instantanés de la vie quotidienne. « Paterson » de Jim Jarmusch est un poème filmé, aux images épurées comme ces vers longtemps tournés et retravaillés dans l’esprit du héros. Une œuvre d’art.
Lundi matin. 6 h 15. Paterson (Adam Driver) se réveille à côté de sa fiancée, Laura (Golshifteh Farahani). Il déjeune d’un bol de corn-flakes et se rend au dépôt. Il échange quelques mots avec un superviseur qui croule sous les problèmes. Durant la journée, il écoute les conversations des passagers. Lors de sa pause, il regarde des chutes d’eau, déguste le sandwich préparé par Laura. Le soir, il rentre, en n’ayant pratiquement pas prononcé la moindre parole. Laura lui raconte ses envies, de devenir riche, célèbre, avant de lui demander de sortir Marvin, le chien. Paterson en profite pour boire une bière dans le bar de Doc (Barry Shabaka Henley) et de discuter avec lui de la renommée de la ville, de ses célébrités comme Lou Costello, la moitié du duo comique du siècle dernier.


Le lendemain il recommence. Inlassablement, infatigablement, avec juste la poésie pour le faire avancer. Des textes qu’il garde dans un carnet secret. Une semaine de la vie de Paterson, quelques poèmes sur une boîte d’allumettes ou la pluie.
Amateurs de courses poursuites à la « Fast & Furious » ou de dérision futuriste genre « Gardiens de la Galaxie », passez votre chemin. « Paterson » c’est bien mieux que cela. Un film qui parle à votre monde intérieur, celui que vous cachez ou que vous ne soupçonnez même pas posséder au plus profond de votre intelligence. Laissez-vous gagner par cette routine de la poésie. La vie n’en sera que plus belle. 
➤ « Paterson », Le Pacte Vidéo, 19,99 €

10:38 Publié dans Film | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : paterson, jarmush, driver, le pacte

03/05/2017

Cinéma : Choisir sa vie, ne pas la subir

DE TOUTES MES FORCES. Histoires d’adolescences sacrifiées dans le film de Chad Chenouga. 



Rien ne sert de culpabiliser sur les supposées erreurs du passé, il faut penser au futur, toujours aller de l’avant. Telle pourrait être, au final, le message à retenir de ce second film de Chad Chenouga parfois inégal mais d’une rare authenticité, en partie inspiré de sa propre enfance.


L’histoire toute simple d’un adolescent en mal de normalité dans une société qui ne fait pas de cadeau aux « déclassés ». Tout est résumé dans son dossier, de l’absence de père au suicide de sa mère. Comment réussir dans la vie avec un tel passif alors que d’autres ont une belle page blanche à la place ? Nassim (Khaled Alouach) est élève dans un lycée parisien. Intégré, heureux, presque amoureux d’Eva (Alexia Quesnel), jeune fille de bonne famille, il dé- cide de passer un week-end avec sa bande. Une sortie qui lui permettra de rompre avec la tristesse de son quotidien. Car chez lui, ce n’est pas la joie. Sa mère (Zineb Triki, lumineuse dans ce rôle court et difficile) est une ancienne junkie. Elle reste enfermée dans son appartement, n’attendant que le retour de son fils pour se précipiter sur les médicaments (antidépresseurs et anxiolytiques) qui lui permettent de rester sur un nuage, loin de la réalité. Quand Nassim rentre, le dimanche soir, il la retrouve morte dans la cuisine.
■ Deux mondes
Après des obsèques expédiées, Nassim refuse d’aller chez sa tante (musulmane très pratiquante) et se retrouve placé dans un foyer. Là il va découvrir un autre monde, celui des « cassos’» comme il dit, jeunes en mal de stabilité. Victimes ou bourreaux. Avec pour seul point commun de ne plus avoir de famille. Nassim est accueilli par Madame Cousin (Yolande Moreau), directrice à quelques mois de la retraite, entre maman de substitution et garde-chiourme intraitable. C’est peu de dire que le jeune garçon ne se sent pas à sa place entre ces loubards en devenir et ces filles futiles (faciles parfois). Alors il s’accroche à son groupe de potes du lycée. Quitte à faire le mur du foyer (avec le risque d’être privé de portable, d’argent et de sorties) pour passer une soirée chez les parents d’Eva. C’est cette dernière qui va découvrir la vérité. Quand elle se rend au foyer, elle est rejetée, insultée, par les autres pensionnaires à cause de ses « habits de bourge ».
Démasqué, Nassim va se couper de ce milieu éduqué et se faire accepter, à force de transgressions, par les autres adolescents du foyer. Le film peut être interprété de multiples manières. Constat que l’on ne peut pas s’en sortir quand on est issu d’un milieu défavorisé. Ou démonstration que rien n’est écrit, et qu’une seule chose importe, choisir sa voie en toute connaissance de cause. Le spectateur se fera sa propre opinion, en fonction de quelques scènes clés, comme la destruction des dossiers, la gifle de Madame Cousin, la bataille de hip-hop ou l’examen raté de Zawady, interprétée par Jisca Kalvanda, totalement métamorphosée après son rôle radicalement opposé de chef de gang dans « Divines ».
La seule certitude, c’est que Nassim quitte le foyer et prend sa vie en main. Quelle qu’elle soit. Mais n’est-ce pas la destinée de toute personne un tant soi peu consciente que la société n’est qu’un théâtre où l’on ne choisit pas son personnage mais où les dialogues sont révisables à l’envie.
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Yolande Moreau, maman à tout faire

Elle n’a rencontré la popularité que tard, quand les sketches courts des Deschiens donnaient cet air incomparable à Canal +. Poétique et frustre, sa bouille d’ahurie lunaire a marqué une génération de téléspectateurs. Et donné envie à nombre de réalisateurs d’explorer un peu plus le monde de cette comédienne sortant clairement des sentiers battus. Résultat elle a tourné dans plus d’une soixantaine de films, souvent des petits rôles, parfois en vedette (« Séraphine », césar de la meilleure actrice en 2009). Conséquence, dans sa fiche de Allociné, elle cumule pas moins de 49 millions d’entrées au cinéma durant sa carrière
. Dans le film de Chad Chenouga elle endosse le costume de la directrice d’un foyer pour mineurs isolés. Madame Cousin, cheveux en pétard, bagues en toc et sourire vrai, a la difficile mission de remplacer la présence maternelle auprès de ces jeunes en perdition, mais sans s’attacher, et encore moins d’être permissive. Car ce qui compte pour elle, comme pour eux, c’est le respect du règlement du foyer. Un apprentissage des règles de la vie, simple et essentiel. Avec Nassim, une relation différente se noue. Elle sait d’où il vient, ce qu’il a vécu, contrairement aux autres pensionnaires. Et qu’il est intelligent, brillant dans ses études. Bref, une pépite dans son foyer plus habituée aux faits divers qu’aux lauriers.
Elle tente de le protéger, mais sans trop le montrer. Comme cet aveu, dans son bureau, quand elle lui dit « Si t’étais moins jeune et moins con, je t’épouserais ». Massive, sans cesse à l’affût, Madame Cousin est un rôle en or pour Yolande Moreau. Elle lui permet d’asseoir son autorité tout en conservant une once de fantaisie. Bref une femme normale, avec de bons et de mauvais côtés. Toute une palette d’émotions et de ressentis compliqués à équilibrer. Un jeu d’enfant pour l’ancienne comédienne de la troupe de Jérôme Deschamps et de Macha Makeieff.

27/04/2017

DVD et blu-ray : Les démons voyageurs s’amusent dans « Incarnate »

 


Depuis l’Exorciste, les histoires de possession sont une mine d’or pour les scénaristes de films d’horreur. Brad Peyton dans « Incarnate » reprend le film, avec quelques variantes. Notamment dans la personnalité de l’exorciste confié cette fois à un homme qui ne croit pas aux dé- mons. Pour lui, ce ne sont que des parasites qui migrent de corps en corps pour assouvir leurs plus bas instincts.


Le docteur Seth Ember (Aaron Eckhart) a le pouvoir de pénétrer le monde de ces monstres plus nombreux qu’on ne le croit. Dès qu’il dort profondément, il peut pénétrer l’esprit du possédé, le rejoindre dans le monde fictif mis en place par l’entité, lui ouvrir les yeux et revenir à la réalité, débarrassé du démon.
■ Enfant terrifiant
Simple, mais pas sans danger. Ember est placé dans un profond coma lors de ces « plongées », suivi par une équipe de geeks, et tout est filmé. Ember ne travaille pas pour la gloriole. Il cherche un démon particulier qui, alors qu’il occupait l’esprit d’une femme ivre, a provoqué la mort de sa femme et son fils. Il a au passage perdu l’usage de ses jambes et se déplace depuis en chaise roulante. Contacté par le Vatican, il doit sauver un jeune garçon de 11 ans, Cameron (David Mazouz) du fameux démon avec qui il a un compte à régler. Le film n’abuse pas d’effets spéciaux, par contre il instille une angoisse crescendo des plus prégnantes. 
Saluons l’interprète de Cameron. Pas évident de faire peur quand on a 11 ans et une frange à la mode. Mais David Mazouz (découvert depuis dans la sé- rie Gotham), est le véritable moteur de terreur du film. Un enfant normal, se transformant en bête sans pitié, capable de tuer son père juste pour le plaisir.
Et comme tout film d’horreur qui se respecte, la fin est ouverte, donnant l’occasion aux producteurs, en cas de succès, de proposer une suite rapidement.  
➤ « Incarnate », Wild Side Vidéo, 14,99 € le DVD, 19,99 € le bluray

26/04/2017

Cinéma : Musique contre horreurs nazies dans le film "Django"

DJANGO. Musique tzigane et jazz manouche face à la persécution par les nazis. 


L a salle est guindée. Sérieuse. Dans le parterre, des civils français. Aux balcons les officiers allemands. Tous attendent la prestation de Django Reinhardt et sa formation le Hot Club de France. Nous sommes à Paris en 1943. La France est occupée par l’armée allemande. Elle règne en maître sur la capitale. Les rafles ont débuté. Juifs, homosexuels, militants politiques et gitans sont les premiers visés. Django, manouche d’origine belge, est un musicien reconnu. Il déplace les foules. Encore plus depuis que les interprètes américains ont quitté l’Europe en guerre.


Dans ce monde de violence, sa musique est une formidable échappatoire pour ceux qui le peuvent. Lui est en dehors de tout. Seules comptent sa guitare, sa musique, sa femme Naguine (Beata Palya) et sa mère Negros (Bimbam Merstein). Sur scène, il se transforme, fait swinguer sa guitare, entraîne le public dans des rythmes inconnus. Et malgré la tristesse d’un pays à terre, un petit espoir renaît, quelques notes de musiques envoûtantes pour faire oublier le quotidien composé de bombardement, de rafles et de rationnement. Résultat le public se lève, se trémousse, danse...
Le film d’Etienne Comar, jusqu’à présent scénariste, montre comment on peut accepter quelques minutes d’insouciance dans un long cauchemar grâce à la beauté de la musique. Mais la réalité rattrape tout le monde. Même Django, persuadé pourtant de pouvoir échapper à tout en raison de son talent. Quand les autorités allemandes dé- cident qu’il doit se produire à Berlin, devant les troupes pour remonter le moral des soldats du front de l’est, des amis lui conseillent de ne pas s’y rendre. Au motif qu’il risque ne plus jamais revenir.
■ Fuite vers la Suisse
Ce refus est le début de ses ennuis. La gestapo découvre tout à coup qu’il est gitan. Une « sous-race » selon la terminologie aryenne. Ne se sentant plus en sécurité, il profite des réseaux de sa maîtresse Louise de Clerk (Cécile de France) pour tenter de rejoindre la Suisse. Avec femme et mère, il se rend incognito à Thonon-les-Bains et attend dans une grande villa puis dans la roulotte de « frères » manouches, le signal de la résistance.
Ce biopic, fortement romancé, n’est pas un résumé savant de la vie de ce musicien d’exception. Seulement une petite partie de sa vie, au moment où il comprend que même avec des doigts de fée courant sur le manche d’une guitare et une parfaite maîtrise du rythme, un gitan reste un gitan pour les Allemands racistes. Aveugle face à cette réalité, il va la deviner petit à petit durant sa cavale pour finalement la subir de plein fouet, obligé de fuir en plein hiver à travers les montages pour sauver la vie de sa famille.
Porté par Reda Kateb, le film, en plus d’une impression de vérité absolue, est parsemé de morceaux de musique qui le transforment parfois en superbe concert filmé. Et comme à l’époque, les rythmes jazz et manouche mélangés donnent une furieuse envie de taper du pied en mesure pour les discrets, de se lever de son siège et de danser pour les plus audacieux.

19/04/2017

DVD et blu-ray : Papa veuf et filles agitées


Cigarettes et chocolat chaud. Émouvant premier film de Sophie Reine.


Dans la famille Patar, je veux le père. Les filles aussi. « Cigarettes et chocolat chaud » de Sophie Reine raconte les déboires de ce trio fusionnel, sorte de famille clown perdue dans un monde trop pragmatique. Comme toujours chez les clowns, il y a celui qui est triste. C’est Denis, le père (Gustave Kervern). Il y a trois ans, sa femme, la mère de ses deux filles, est morte. Depuis il tente de survivre et de donner le meilleur à ses enfants, une adolescente, Janine (Héloïse Dugas) et Mercredi (Fanie Zanini). Dans la maison, joyeux bordel mal rangé mais au charme indéniable, il est un papa très cool. Le samedi c’est pique-nique au supermarché, en semaine, si les filles ont encore envie de dormir, pas de problème, il les laisse se reposer et quand la petite montre trop d’agressivité, il l’inscrit à des cours de... catch. Lui cumule deux boulots pour rembourser les dettes, notamment l’enterrement de son amour de toujours.


■ Kervern et Cottin, opposés qui s’attirent
En journée il est caissier dans une grande jardinerie, la nuit, officiellement pour ses filles il est vétérinaire de garde, en réalité caissier dans un sex-shop. Consé- quence il n’est pas toujours là pour récupérer les enfants à la sortie de l’école. Malgré la gentillesse des policiers, habitués aux retards de Denis et charmés par l’espiègle Mercredi, ils sont obligés de faire un signalement. Et là, c’est le drame !
De comédie déjantée, le premier film de Sophie Reine, inspiré de sa propre famille, bascule dans le drame. Mais pas trop. Une assistante sociale se rend chez les Patar. Séverine (Camille Cottin), guindée, rigide, à cheval sur les principes, cache son horreur face à un tel délire. Denis est mis à l’amende. Il devra suivre un stage pour lui inculquer les bon principes qui font les bons parents. C’est bien un drame pour la famille car les deux filles risquent d’être confiées à une famille d’accueil. Et si ça se trouve même pas la même fait remarquer Robert (Thomas Guy), meilleur ami de Janine et par ailleurs un peu amoureux d’elle. Le challenge est rude pour Denis, un « insoumis » de la première heure, qui a rencontré sa future épouse dans les années 80, en manifestant contre la réforme Devaquet.


Mais Séverine, derrière ses airs de vieille fille coincée se laisse séduire. D’abord par les filles. Puis par Denis. Un « feel good movie », selon l’expression à la vogue, a cependant ce petit plus qui en fait surtout une ode à la différence, avec beaucoup de tendresse, de réels moments d’émotion et de la poésie trop rare dans nos vies formatées.
Gustave Kervern, en gros maladroit dépassé, est génial. Il sait faire rire mais aussi toucher la corde sensible des parents. Camille Cottin, à mille lieues de son rôle de « Conasse », se révèle excellente actrice, jouant avec subtilité la modification de sa vision première de cette famille hors normes.
Dans les bonus, un making of permet de mieux comprendre la démarche et le parcours de la réalisatrice, monteuse qui a franchi le pas et a tenté de mettre son univers si personnel sur pellicule. On a même droit à son premier court-métrage, les prémices des aventures de la famille Patar.
 « Cigarettes et chocolat chaud », Diaphana, 17,99 € le blu-ray, 14,99 € le DVD

14/04/2017

De choses et d'autres : Cannes en séries

Le cinéma a-t-il pris du plomb dans l’aile ? Hier, lors de la présentation de la sélection officielle du prochain festival de Cannes (du 17 au 28 mai), en plus des films d’habitués comme Michael Haneke ou Doillon, Ozon et Coppola (Sofia), les organisateurs ont annoncé la projection en exclusivité de deux séries télé. Loin des « Sous le soleil » ou « Riviera », abominations tournées dans les parages, les deux œuvres n’ont rien à envier en qualité aux films primés ces dernières années. Première à entrer en scène : Jane Campion. La saison 2 de « Top of the Lake » y sera présentée en intégralité. Cette histoire policière très sombre, tournée dans la Nouvelle-Zélande profonde, a remporté quantité de prix et un beau succès d’audience lors de sa diffusion sur Arte, co-productrice. En présence de son créateur David Lynch, la projection aux festivaliers chanceux des deux premiers épisodes de la saison trois de « Twin Peaks » représentera l’autre événement « télévisuel ». Considérée comme la première série qui casse les codes, « Twin Peaks » perd l’effet de surprise, mais le gé- nie de Lynch devrait toujours accomplir des merveilles. C’est dans la longueur, par définition, que les séries peuvent dépasser les films. Longueur pour développer la psychologie des personnages, pour mieux exploiter les décors ou les seconds rôles. Une série entre les mains d’un bon cinéaste c’est simplement plus de rêve, d’émotion, de surprises ou de rires.

13/04/2017

DVD et blu-ray : La subversion automobile de "La course à la mort 2050" de Roger Corman

 


Non, Roger Corman n’en a pas terminé avec le cinéma. A 90 ans, le pape de la série B, le roi du nanar et le prince de l’angoisse (chacun peut choisir comment l’admirer) ne tourne plus mais produit encore de ces petits films, au budget limité, aux comédiens dans l’exagération et surtout aux scénarios aussi tordus que subversifs.
En 1975, il produit « La course à la mort de l’an 2000 », une histoire de bagnoles dans des USA ravagés. Logiquement, il participe à la suite, 40 ans plus tard, « La course de la mort 2050 », réalisée par G.J. Echternkamp. Dans ce futur où les citoyens américains, biberonnés à la violence, la télé poubelle et la réalité virtuelle, se passionnent pour cette compétition sans foi ni loi. Des voitures sont lancées d’Est en Ouest, à travers ce qui reste de ce grand pays. Le favori est Frankenstein interprété par le musculeux Manu Bennett. Il court pour le président, un grand patron vivant dans l’opulence et le vice, clone de Trump joué par un Malcolm McDowell qui en fait des tonnes. Pour suivre la course, chaque pilote a un coéquipier chargé de filmer en direct l’épreuve.



Le film, aux cascades explosives et aux effets gore touchants de simplicité, vaut aussi pour les autres candidats. Un beau gosse, blond et bodybuildé, joue les durs mais cache un homosexuel refoulé. Une nymphomane a entièrement automatisé sa voiture, devenue intelligence artificielle obsédée et détraquée. Une black, star du rap, cache une femme éduquée, obligée de jouer les dures pour s’imposer dans ce monde de clichés. Une grande prêtresse d’une religion du futur, mélange de préceptes mormons et catholiques intégristes, roule pour Dieu. Tue aussi en son nom. Car en plus de la vitesse, le critère retenu par le jury pour déterminer l’ordre d’arrivée est tributaire du nombre de piétons écrasés. Avec une prime pour les personnes âgées et les enfants...
Dans le bonus, on retrouve avec plaisir le grand producteur donner son sentiment sur le film, un making of sur les effets spé- ciaux, quelques scènes coupées et un zoom sur les voitures. Le genre de film à regarder avec une bande d’amis, pour en profiter avec commentaires outranciers, blagues potaches et explication pour les plus bouchés qui ne comprennent pas les allusions politiques résolument anticapitalistes et profondément anarchistes. Roger Corman c’est plus que du cinéma, un véritable art de vivre.
 ➤ « La course de la mort de 2050 », Universal, 14,99 €

12/04/2017

Cinéma : Père raté et fils par procuration

 


Loïc (Gérard Jugnot) a tout raté avec son fils. Même à son enterrement il arrive en retard. Un paradoxe pour cet ancien pilote de rallye. Il y a 20 ans, quand ce bébé est venu agrandir sa famille, il ne pensait que voiture, compétition et victoires. Toujours sur les routes, il est absent. Et quand sa femme divorce, il choisit sa carrière sportive et ne demande même pas la garde alternée. 20 ans plus tard, il n’a plus que des regrets et sombre dans une grave dépression. Pourtant le malheur de l’un fait le bonheur d’un autre. Mort dans un accident de voiture, le cœur du fils de Loïc a été transplanté sur un autre jeune, malade et en attente de greffe. Cet organe de son fils, toujours battant ailleurs, obsède Loïc. Il va donc sortir de sa déprime pour se lancer à la recherche du receveur. Le voir, le rencontrer, comprendre et tenter de reconstruire sur de nouvelles bases une vie à la dérive.



Normalement, la loi française interdit aux familles des donneurs de connaître l’identité du receveur. C’est même puni sévèrement par la loi. Mais Gérard Jugnot passe outre pour le besoin de son film (un ami chirurgien pirate le fichier) et quitte sa Bretagne pluvieuse pour Toulon et sa rade radieuse. Là il observe Hugo (François Deblock) dans sa vie quotidienne. Et Loïc n’en croit pas ses yeux. Celui qui vit avec le cœur de son fils mène une existence dissolue. Cascades en scooter volé, nuits dans des boîtes de nuit à boire plus que de raison et chercher la bagarre. Le père éploré respecte pourtant sa parole donnée au chirurgien de ne pas le contacter directement jusqu’à ce qu’il lui sauve la mise lors d’un braquage foireux.
La première partie du film, uniquement en mode observation, permet à Gérard Jugnot de faire un joli numéro de l’adulte catastrophé face à l’insouciance des jeunes. Quand ils se parlent enfin, le courant ne passe pas. Hugo, longtemps condamné à ne pas quitter sa chambre pour cause de constitution chétive est dé- terminé à rattraper le temps perdu depuis sa transplantation réussie. Et cela durera ce que cela durera, avec cependant un rêve d’avenir : aller en Australie et se donner une seconde chance. Fin de la première partie, chacun dans son monde.
■ Provence VS Bretagne
Mais quelques semaines plus tard, Hugo vient frapper à la porte de Loïc. Seul, désargenté, il se raccroche à cette ultime bouée, ce père de procuration par cœur interposé. Sans trop de trémolos, les deux caractères opposés vont se rapprocher. Loïc va reprendre goût à la vie, veillant sur ce grand enfant, comme pour rattraper le temps non passé avec son véritable fils. De son côté, Hugo va découvrir un homme bourru mais foncièrement gentil. Et enthousiaste quand il parle mécanique. Surtout le jeune Toulonnais va tomber amoureux d’une jolie Bretonne (Gaia Weiss), trouver sa voie dans la cuisine et se stabiliser.
Plus qu’une gentille comédie, ce film de Gérard Jugnot est un hymne à la seconde chance. Seconde chance pour un père absent, seconde chance pour un malade redevenu autonome après une greffe, seconde chance pour un jeune à la dérive. Trop optimiste ? Mais dans le fond, n’est-ce pas ce que l’on voudrait tous pour notre existence et se dire, au final, malgré les coups et les embûches, « C’est beau la vie quand on y pense ».
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La 11e réalisation de Gérard Jugnot

Il a mis beaucoup de temps pour revenir à la réalisation. Gérard Jugnot, consacré comme acteur comique du temps de la troupe du Splendid, a beaucoup écrit et joué les « petits gros » avant de se lancer derrière la caméra. Auréolé du succès des Bronzés, il s’écrit un rôle sur mesure dans « Pinot simple flic », énorme succès aux box office, 2,4 millions d’entrées. Devenu valeur sûre du cinéma comique français, il multiplie les premiers rôles chez les autres et se réserve quelques personnages plus profonds dans ses propres films.
Un premier avant-goût dans « Casque bleu » puis la consécration avec « Monsieur Batignole » sur la triste époque de la collaboration et de la déportation des Juifs. Plus de 1,5 million d’entrée en 2002 malgré la gravité du sujet. Jugnot, avec l’âge, se bonifie et confirme. Et puis il participe à l’énorme succès des « Choristes » l’année suivante. Tout lui réussi jusqu’à la sortie de « Rose et noir » en 2009. Ce film en costumes sur l’inquisition et l’homosexualité manque complètement sa cible. Moins de 80 000 entrées. Plus qu’un bide...
Un arrêt net à une carrière florissante. Jugnot se tourne alors vers la télévision, accepte des petits rôles et met beaucoup de temps pour revenir à la réalisation avec cette comédie optimiste qu’est « C’est beau la vie... » Il y retrouve quelques uns de ses fidèles comme Bernard Le Coq ou Isabelle Mergault, sa grande copine de radio, avec qui il a traversé plusieurs décennies, progressant ensemble des très petits rôles des débuts (figuration pour Jugnot, dévêtus pour Mergault), au succès éclatant, au théâtre comme au cinéma. 

05/04/2017

Cinéma : DRH, directrice du rabaissement humain dans "Corporate"


Une machine impitoyable à broyer les salariés. Le rôle d’Émilie Tesson-Hansen (Céline Sallette) dans cette multinationale est clair. Sans équivoque. Gérer le personnel de la branche financière. Mais surtout, mettre en place le plan imaginé par son chef pour faire craquer les employés jugés indésirables par la direction. Froide, inhumaine, sans le moindre pathos : Émilie se dévoue entièrement à son entreprise, pour honorer son contrat, prouver à ses supérieurs qu’elle est digne de confiance et apte à prendre d’encore plus grandes responsabilités. Cela a un prix. Pas son salaire, mirobolant, mais le risque d’en faire un peu trop face à des collaborateurs faibles.

Le pire pour une directrice des ressources humaines arrive quand un des plus anciens du service, placardisé, ostracisé et mis sur la touche, las de ne pouvoir obtenir un rendez-vous avec elle, la suit dans la rue. C’est là, loin de son cadre du travail, comme débarrassée de sa carapace, qu’elle lui dit la vérité. "Bien sûr que la direction veut se débarrasser de vous. Et c’est ce qu’il vous reste de mieux à faire...» Quelques secondes de vérités, comme pour soulager la conscience de cette femme apparemment odieuse mais par ailleurs mère d’un petit garçon, élevé par son mari, au chômage...
■ Élimination des salariés
Le lendemain, au bureau, grand bruit dans la cour puis hurlements du personnel. L’élément à virer a choisi la solution expéditive : suicide sur son lieu de travail. Immédiatement une réunion de crise menée par le directeur (Lambert Wilson) tente de trouver une explication autre que les difficultés du salarié dans son travail. Mais tout accuse Émilie. Et quand l’inspection du travail décide de déclencher une enquête, la DRH sent que cette mort va compromettre ses chances de progression au sein du groupe.
Film social, résolument engagé contre la souffrance au travail, « Corporate », premier film de Nicolas Silhol souffre de quelques imperfections inhérentes au genre parfois plus proche d’un téléfilm de France 3 qu’un long-métrage méritant le grand écran. La différence vient de la distribution.
Céline Sallette, à contre-emploi dans son rôle d’executive-woman, donne une profondeur insoupçonnée à son personnage. Notamment au contact de l’inspectrice du travail Marie Borrel interprétée par la très naturelle et pugnace Violaine Fumeau. Le film prend alors des airs de thrillers avec l’affrontement, tout en symboles, de ces deux femmes aux idéaux si antagonistes. La guerre aussi entre deux conceptions du monde du travail répondant en écho aux programmes de la présidentielle, d’un côté les candidats du travail, de l’autre des travailleurs.
➤ « Corporate » de Nicolas Silhol (France, 1 h 35) avec Céline Sallette, Lambert Wilson, Stéphane De Groodt et Violaine Fumeau.

30/03/2017

De choses et d'autres : une photo de Claudia Cardinale, retouchée pour l'affiche du festival de Cannes, fait polémique

 
Et si pour une fois on ne se penchait pas sur ce qui va se passer le 7 mai mais plutôt le 17. Ce jour-là, après des mois à s’interroger sur l’identité du locataire de l’Élysée, plus personne ne s’y intéressera. Le 17 mai débute le 70e festival de Cannes. Strass, paillettes, fêtes auront pris le dessus sur les affaires, costumes et autres trahisons. Même s’il faut se méfier des certitudes. Premier problème, le président du jury Pedro Almodovar ne cache pas sa passion pour la corrida. Et les « vegans » de demander son boycott. De plus, comme cette année 2017 semble définitivement placée sous le signe de l’embrouille, la présentation de l’affiche officielle a immédiatement dé- généré en polémique. On y voit Claudia Cardinale, jeune, virevoltant dans une large jupe fendue. Une photo prise en 1959 sur un toit de Rome.
Photo connue qui a fait tiquer certains. En effet, si l’on compare le document original et l’affiche, on constate que la star a perdu une taille après un rabotage des cuisses et des hanches grâce aux pinceaux électroniques d’un logiciel de retouche photographique.
Le culte de la maigreur a atteint de tels sommets en ce XXIe siècle, qu’un « créatif » s’octroie le droit de modifier la perfection. Car n’en déplaise à ces néo-esthètes, les courbes de Claudia Cardinale incarnent l’idéal de la beauté.
Alors par pitié, trafiquez tous les mannequins anorexiques que vous voulez (et qui provoquent de toute manière plus d’effroi que de rêve), mais laissez les légendes intactes. 

29/03/2017

Cinéma : "Orpheline", manuel de survie féministe en milieu mâle

ORPHELINE. Quatre actrices pour interpréter la vie d’une même femme blessée


Trop souvent, les films français manquent de finition et de maîtrise. Quelques fausses notes dans l’interprétation, un montage à la serpe, des éclairages de téléfilms... « Orpheline » est l’antithèse de ces approximations qui gâchent le plaisir du cinéphile, voire le désespèrent. Mais la maîtrise absolue de la réalisation ne doit pas faire oublier le message.


Arnaud des Pallières, réalisateur primé du ténébreux « Michael Kohlhaas » a trouvé l’équilibre parfait entre forme et fond. Pourtant le parti était risqué de raconter la vie d’une femme sur quatre périodes de sa vie, avec autant d’actrices différentes et en reculant dans le temps.
■ Féminismes
S’il a mis plus de trois années à écrire le scénario, le découpage, trouver la distribution, tourner et reprendre à plusieurs reprises le montage final, ce n’est pas du luxe. Juste la volonté que le spectateur soit happé par l’existence de cette femme tentant de survivre dans un univers dominé par le genre masculin, sa violence, son désir et in fine l’asservissement des femmes.
Dénoncé par certaines féministes pour son côté voyeurisme et sexiste, « Orpheline » est pourtant un film de femmes, pour les femmes, contre les hommes. Exactement contre la « marchandisation » des femmes par certains hommes. Leur formatage aussi dès l’enfance, à vé- nérer le mâle tout puissant, à n’envisager leurs vies qu’à l’abri de leur prétendue protection.
Passée cette longue introduction pour expliquer pourquoi il faut absolument aller voir « Orpheline », sachez qu’en plus vous aurez l’occasion de voir réunies trois des meilleures actrices de la nouvelle génération. Avec, par ordre d’entrée en scène, Adèle Haenel, Adèle Exarchopoulos et Solène Rigot. Elles interprètent le même personnage, toujours en fuite sous diverses identités. Renée (Adèle Haenel) est institutrice. Avec son compagnon Darius (Jalil Lespert), elle tente d’avoir un enfant. A recours à la fécondation in vitro et va enfin devenir mère à 27 ans. Mais un matin, la police défonce la porte et arrête Renée. Jugée, condamnée, emprisonnée, elle doit répondre des agissements de Sandra, la jeune femme de 20 ans qui a commis un important vol.
■ Blessure d’enfance
Sandra (Adèle Exarchopoulos) prend le relais du récit. Montée à Paris, elle a répondu à une petite annonce d’un homme cherchant à adopter une fille. Relation trouble avec ce bookmaker qui en plus lui trouve un emploi dans un hippodrome. Là où elle commet son vol avec la complicité de Tara (Gemma Arterton).
Comment Sandra est-elle arrivée à Paris, nouveau recul dans le temps. Elle se nomme Karine (Solène Rigot), à 13 ans, en paraît 18, est tabassée par son père (Nicolas Duvauchelle), sort la nuit et couche avec tout ce qui lui tombe sous la main. Pourquoi, comment ? Voilà Kiki (Vega Cuzytek), petite fille de 6 ans, jouant à cache-cache dans une casse de voitures.
Un film à rebrousse-poil, dans lequel on recule dans le temps comme quand on en appelle à ses souvenirs et qu’au fur et à mesure de la réflexion, on recule de plus en plus dans son enfance, se souvenant des bons et mauvais moments. Pour l’héroïne d’Arnaud de Pallières, on comprend au dé- but du film que sa future maternité est le premier signe positif d’une vie couverte de plaies et de coups. Une lueur d’espoir, une occasion inespérée de s’amender, de se fixer, d’envisager l’avenir avec sérénité.
Reste que le déterminisme de notre société, malgré une réelle évolution des mentalités, ne laisse que peu de latitudes aux femmes en recherche d’émancipation. Il est là le message du film, charge puissante contre les hommes, par un homme qui avoue avoir eu l’impression de devenir une femme lors de l’écriture et du tournage du film. 
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Trio magique


La virtuosité cinématographique permet de passer très rapidement sur le pari le plus audacieux du film : faire interpréter l’héroïne par trois actrices différentes en fonction de son âge. Pari d’autant plus risqué qu’elles ont toutes les trois quasi le même âge. Mais la personnalité de chacune, leurs qualités de comédiennes font que l’on ne remet jamais en cause ce concept. Et grâce à une construction millimétrée, le passage d’une époque à l’autre se fait en douceur, avec la volonté affichée (et maîtrisée) du réalisateur « d’avoir un temps d’avance sur le spectateur ».


L’autre difficulté pour les interprètes était de tourner leur partie sans avoir vu les autres. Un peu comme si elles se contentaient d’un court-métrage. Solène Rigot dans la peau de Karine (13 ans), n’avait aucune idée de la prestation de ses deux amies. Elles se sont contenté d’une lecture du scénario en commun avant le tournage. Quelques éléments matériels ont permis de les rapprocher, mais c’est surtout l’œil du réalisateur qui a permis l’identification.
La répartition des rôles s’est fait comme une évidence. Solène Rigot, la plus menue, fragile, interprète cette adolescente en pleine période de rébellion contre son père. Et comme pour mieux se soustraire à sa domination, elle se donne au premier venu, fuguant, découchant, trompant les hommes rencontrés sur son véritable âge. Elle est crédible sans être vulgaire.
Adèle Exarchopoulos aurait pu interpréter le rôle de Renée. Mais finalement le réalisateur a préféré lui donner celui de Sandra, la vingtaine, paumée à Paris et prête à tout pour prendre sa chance et se sortir de cette vie sans but.
Adèle Haebnel, dans le rôle de la femme mûre, celle qui semble avoir tiré un trait sur son passé mouvementé, est particulièrement émouvante. Car elle semble marquée par une malédiction venue de la petite enfance. Elle qui n’a pas eu de mère, élevée à la dure par son père ferrailleur, rêve de donner tout son amour à l’enfant qu’elle porte enfin. Mais le passé la rattrape et une nouvelle fois elle prend la fuite pour ne pas devoir accoucher en prison.
Au-delà de l’histoire, forte et basée en partie sur la véritable vie de la co-scénariste, Christelle Berthevas, « Orpheline » est de ces rares films qui offrent des rôles en or à des comédiennes, loin des comédies hystériques ou des biopics améliorés. La vie d’une femme. Simplement. 

DVD et blu-ray : L’amour, la vie, l’avenir

Si les histoires d’amour finissent mal en général, qu’en est-il de l’Histoire de l’amour ? Réponse en regardant ce film de Radu Mihaileanu sorti l’an dernier et dont les versions DVD et blu-ray sont en vente aujourd’hui avec en bonus de nombreuses scènes coupées.
Une œuvre fleuve avec en toile de fond le drame de la seconde guerre mondiale, les séparations, les déportations massives des juifs, leur extermination méthodique, le retour des rares rescapés. Le réalisateur a fait le choix de mélanger les époques, sans transition, passant d’un monde à un autre.


Dans le New York du début des années 2000, Léo (Derek Jacobi), un serrurier à la retraite vit seul. Il n’a plus qu’un ami, Bruno, comme lui originaire de Pologne. La Pologne, des décennies plus tôt. Léo et Alma (Gemma Arterton) filent le parfait amour au village. Mais les nazis approchent. Ils se jurent fidélité, s’aiment une fois et la jeune femme va se réfugier à New York. Elle emporte deux promesses : que Léo n’aime personne d’autre qu’elle et qu’il lui écrive un roman. C’est la fameuse « Histoire de l’amour », roman volé, disparu puis retrouvé, fil rouge du film. Un manuscrit qui sera rendu à Léo par une autre Alma (Sophie Nélisse), jeune fille qui elle aussi rêve de devenir «la femme la plus aimée du monde».
Tourné en grande partie à New York, le film du réalisateur d’origine roumaine s’éclaire avec de multiples touches d’humour et des personnages drôlatiques comme le petit frère de la jeune Alma, persuadé qu’il est un des élus qui portent le monde sur leurs épaules. Bonne excuse pour ne pas faire les courses ou la vaisselle... 
➤ « L’histoire de l’amour », Wild Side Vidéo, 14,99 € le DVD, 19,99 € le blu-ray. 

23/03/2017

DVD : Rap et peinture dans "Tour de France"


Gérard Depardieu ne pouvait pas rêver de meilleur rôle pour son état d’esprit de ces dernières années. S’il a voulu s’exiler en Belgique, qu’il a pris la nationalité russe, ce n’est pas pour fuir la France et ses impôts. Plus justement, il veut être ailleurs, sur les routes, à la découverte du monde.


Dans « Tour de France », film de Rachid Djaïdani, il interprète Serge, un vieil homme fatigué, lancé dans un tour de France des ports de France. A chaque escale, des ports de la Manche à La Rochelle en passant par Sète ou Marseille, il reproduit une peinture de Joseph Vernet, peintre marin du XXIIIe siècle. Un voyage qu’il veut accomplir avec son fils. Mais ce dernier se décommande et confie le volant de la vieille camionnette paternelle à un ami : le rappeur Far’Hook (Sadek). Le tête à tête entre le Français aigri et le jeune arabe fait des étincelles. Mais rapidement les deux trouvent un terrain d’entente. Serge a besoin d’un chauffeur et Far’Hook, pris dans une embrouille entre bandes rivales, doit se faire oublier durant quelques semaines.

Le film, petit budget mais vrai road-movie, est parfois émouvant, parfois grave, voire énervant quand on détaille les histoires de rivalités entre rappeurs. Il est aussi un peu moralisateur.
Reste Depardieu. Excellent. Toujours excellent. Sa masse, ses murmures, ses emportements. Certes il fait du Depardieu, que du Depardieu. Mais il incarne si bien cette France un peu désuète, nostalgique et râleuse mais toujours aussi foncièrement bonne, solidaire et fraternelle. Ce n’est pas le frais minois de la Miss Univers qui devrait être pris pour modèle afin d’incarner la nouvelle Marianne mais la bonne bouille et le gros nez de Gérard Depardieu.
● « Tour de France », Studiocanal, 19,99 €

22/03/2017

Cinéma : Les Catherine (Frot et Deneuve) au carré dans "Sage femme"


SAGE FEMME. Deux femmes, l’une sage, l’autre moins, vedettes du film de Martin Provost.


Le constat est de Martin Provost, scénariste et réalisateur de « Sage femme » : « Le casting dans un film, c’est presque plus important que la technique. » Pour son film sur la rencontre entre deux femmes que tout oppose, il a écrit l’histoire en pensant, d’emblée à Catherine Frot et Catherine Deneuve. Un projet risqué car il n’est jamais évident de convaincre des actrices de rejoindre une production.
Par chance, il a su les convaincre et leur permettre d’interpréter ces deux personnages forts. Pourtant leurs techniques sont radicalement différentes selon le réalisateur. « Catherine Frot est très structurée, tout doit être clair dans sa tête, alors que Catherine Deneuve est comme une équilibriste, elle est dans l’instant, la vérité de l’instant. » Deux tempéraments opposés, comme dans le film, qui finalement se complètent, se bonifient.
Claire (Catherine Frot), est sagefemme dans une petite maternité sur le point de fermer. Elle vit simplement pour son métier avec passion et dévouement. Quand elle reçoit un appel de Béatrice (Catherine Deneuve), elle préfère dans un premier temps l’ignorer. Cette femme, l’ancienne maîtresse de son père, ne lui a laissé que de mauvais souvenirs. Sa bonté cependant lui impose de la rencontrer. Elle se rend chez elle, dans Paris, découvre une femme encore très belle, mais taraudée par les remords. Un premier entretien froid. Béatrice a quitté le père de Claire du jour au lendemain. Il y a plus de 20 ans. Depuis plus une seule nouvelle.
Béatrice demande, l’air enjouée et désinvolte des nouvelles de cet homme, le seul qu’elle a aimé selon elle. Claire se braque, devient sèche. Et finalement décide de tout raconter, sans prendre de pincettes. Une vérité qu’elle lui crache au visage : peu de temps après son départ, son père s’est suicidé de chagrin, une balle dans le cœur.
■ Duo de rêve
On imagine le choc pour Béatrice. Mais aussi pour Claire, comme si la meurtrière de son père revenait la hanter. La richesse du film, son humanité, réside dans la personnalité de Claire. Sage-femme, elle aime la vie, donner la vie. Et malgré la douleur, sait pardonner. Car Béatrice, empêtrée dans des problèmes d’argent (elle a toujours joué et trop souvent perdu) lui demande de l’aide.
Les deux femmes vont se rapprocher et tenter de s’apprivoiser. Par nécessité pour Béatrice quand elle se retrouve à la rue, par compassion pour Claire. L’envie aussi de changer la direction de sa vie. Noyée dans son travail, elle s’est oubliée. Au contact de Béatrice elle va se redécouvrir et même tomber amoureuse d’un voisin (Olivier Gourmet), chauffeur routier libre et compréhensif.
Un formidable duo d’actrices, qui donne envie de vivre, d’oublier les soucis, de profiter des moments présents et de relativiser toutes ces rancœurs du passé ou incertitudes de l’avenir. Une superbe bouffée d’optimisme avec une histoire toute simple, preuve que le cinéma, parfois, sait étonner sans esbroufe. Mais pour cela on ne peut que donner raison à Martin Provost, le casting est important. Dans « Sage Femme » il est éblouissant. 
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Maternité, mères et accouchements
 
 

En fil rouge du film de Martin Provost, on découvre le métier de sage-femme et l’évolution des maternités françaises. Claire officie depuis plus de 20 ans dans ce service. Elle est devenue l’experte, celle qui a accompagné la naissance d’enfants comme cela se passe depuis la nuit des temps. Elle en a sauvé aussi beaucoup, apte à trouver toutes les solutions quand un problème surgit. Mais ce modèle semble passé de mode en France. Le service dans lequel elle travaille va fermer. Trop petit... Elle ne se retrouve pas au chômage. Au contraire son expérience est convoitée par le gros centre qui va récupérer les accouchements. Mais pour elle « hors de question d’aller travailler dans cette usine à bébé ».
Pour les besoins du film, l’actrice a appris les gestes pour aider une maman à mettre au monde. Et Martin Provost, particulièrement à cheval sur la réalité de ses images, a tenu à filmer de véritables accouchements. Un challenge pour Catherine Frot qui explique, dans le dossier de presse, « J’ai d’abord demandé à assister à des accouchements afin de savoir si je pourrais éventuellement avoir des gestes appropriés. J’ai réalisé que tout ça était finalement très naturel, très normal. J’ai pris ensuite des cours avec une ancienne sage-femme qui m’a fait répéter sur des mannequins. J’étais un peu inquiète à la première prise une fois sur le plateau, mais tout s’est merveilleusement bien passé. D’habitude, mon métier d’actrice m’oblige à être dans l’illusion et là j’ai dû aller au-delà de ça, sans état d’âme » Une « vérité » évidente dans le film qui dans ces séquences a des airs de documentaire.
Catherine Frot réalise l’exploit d’être crédible en toute occasion : quand elle tombe amoureuse, quand elle rejette Béatrice, quand elle apprend qu’elle va devenir grand-mère. Et quand elle aide de véritables bébés à naître...

19/03/2017

DVD et blu-ray : Ce Ciel ressemble à l'Enfer

 


Sonia (Noémie Merlant) et Mélanie (Naomi Amarger) n’ont absolument rien en commun. La première a un père d’origine maghrébine. L’islam elle en a beaucoup parlé avec son grand-père quand elle était enfant. La seconde est élève en seconde S, brillante, investie dans une association humanitaire, musicienne dans l’âme (le violoncelle). Toutes les deux tombent dans filets des recruteurs de l’État islamique. Deux parcours différents pour au final une seule et unique ligne d’arrivée : l’enfer de la Syrie, chair fraîche pour de pseudos combattants pour un monde plus religieux. « Le ciel attendra » est un film à montrer à tous les jeunes Français. Sans exception. Marie-Castille Mention-Schaar a monté ce film dans l’urgence.
■ Un mal profond
Car le mal est profond dans notre société. Aidée d’Emilie Frèche au scénario, elle a imaginé le parcours de deux jeunes filles, embrigadées dans les rangs de Daech. Une œuvre de fiction inspirée de parcours réels. Dans le DVD, on trouve en bonus quelques scènes coupées mais surtout un long entretien de la réalisatrice. Marie-Castille Mention-Schaar raconte la genèse du film.
Ses interrogations puis son travail de terrain avec Dounia Bouzaar pour avoir une matière véridique avant l’écriture du scénario en collaboration avec Emilie Frèche. Une fois le projet monté, à trois jours du dé- but du tournage, le 13 novembre 2015 a failli tout remettre en question. Mais après un week-end d’interrogations et une large concertation de l’équipe (et notamment des jeunes actrices), la décision a été prise de continuer. Comme un devoir pour expliquer les dérives de ces adolescentes, comme la jeune fille héraultaise, interpellée il y a quelques jours après avoir épousé un djihadiste avec qui elle comptait commettre un attentat contre la Tour Eiffel. Un nouveau télescopage entre ce film essentiel et l’actualité. 
➤ « Le ciel attendra », UGC, 19,99 € le DVD et le blu-ray

16/03/2017

DVD et blu-ray : L’électro-choc de Wes Craven

 

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On retrouve tout l’univers de Wes Craven dans « Shocker », film d’horreur sorti en 1989 et qui semble la somme de toutes ses obsessions. La version remastérisée proposée en DVD et blu-ray réhabilite ce film culte un peu oublié entre les immenses succès que sont « Les griffes de la nuit » et « Scream ». Son originalité tient surtout à la seconde partie, dans le duel entre Jonathan (Peter Berg) le jeune rugbyman et Pinker (Mitch Pileggi) le tueur en série qui boite. Dans un délire d’effets spéciaux, ils se battent en passant de chaîne en chaîne de télévision. On assiste à une scène hilarante, débarquant sur le plateau d’un télévangéliste récoltant des dons pour contrer « La Bête », ce dernier est balancé sans ménagement dans le public par un Pinker énervé ne pouvant s’empêcher de lui hurler, en plus, de la fermer...
Pourtant tout commence comme un classique teen movie d’horreur. Jonathan, sportif pas futé, aime la belle Alison (Cami Cooper). Ils se bécotent au bord du terrain. Il est maladroit, presque touchant. Mais son passé d’enfant adopté le rattrape. Le « tueur des familles » terrorise la ville. C’est son véritable père et un lien existe toujours entre Pinker et son fils. Ce dernier rêve des futurs crimes du papa démoniaque. Un don de divination qui lui permet d’arrêter le méchant. Mais après qu’il ait sauvagement assassiné Allison. Quelques mois plus tard, Pinker est conduit sur la chaise électrique. Mais cet adepte de la magie noire profite des 100 000 volts pour transporter son esprit démoniaque de corps en corps. Avec un seul et unique but : faire souffrir Jonathan.
■ Comme « Hidden »
L’idée de changer de corps n’est pas nouvelle, on la retrouve dans « Le témoin du mal » (angoissant) ou « Hidden » (chef-d’œuvre dès la scène d’ouverture), mais Wes Craven en profite pour y glisser quelques scènes d’anthologies comme le crachat lancé par une petite fille possédée sur le corps de l’homme quelle vient d’assassiner. Si les effets spé- ciaux numériques ont mal vieilli, on admire quand même la folie finale.
Côté bonus, on apprécie particulièrement les entretiens de deux des acteurs principaux. Mitch Pileggi, excellent en psychopathe violent, a bien changé. Le colosse au crâne rasé a fait carrière dans les séries télé. Il est Skinner, le patron des deux agents de X-Files. Et il a un rôle récurrent aussi dans Supernatural. Camille Cooper, après quelques apparitions dénudées dans des séries B qui n’ont pas franchi l’Atlantique, a tourné le dos à ce milieu pour recentrer sa vie sur des choses plus essentielles. Elle a notamment créé une association pour aider les enfants violés.
Manque Peter Berg, l’acteur principal. Il a longtemps tenté de s’imposer comme un jeune premier. Mais son jeu, déjà limite dans Shocker, ne s’est pas amélioré avec le temps. Il est finalement passé de l’autre côté de la caméra et réalise désormais des blockbusters comme « Traque à Boston » actuellement à l’affiche ou des séries à succès comme « The Leftovers ».
➤ « Shocker », Studiocanal, 10 € le DVD, 14,99 € le blu-ray (sortie le 17 mars)

15/03/2017

Cinéma : Mystérieuse et introuvable City of Z

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THE LOST CITY OF Z. James Gray reconstitue la quête tragique d’un explorateur anglais. 


Eldorado pour les conquistadors, City of Z pour l’explorateur britannique Percival Harrison Fawcett. Les légendes sur la fameuse cité perdue de l’Amazonie, dernier vestige d’une civilisation florissante défunte, ont beaucoup fait fantasmer les écrivains. Mais avant l’invention des satellites, de Google maps et des drones, pour cartographier un pays, une frontière, il fallait se rendre sur place.
Voilà la raison de l’arrivée de Fawcett (Charlie Hunnam) en 1906 dans cette région inexplorée convoitée par la Bolivie et le Brésil. Avec quelques aventuriers recrutés sur place dont le fidèle Henry Costin (Robert Pattinson) et Manley (Edward Ashley), ils remontent le cours d’une rivière jusqu’à sa source. Arrivé au bout de son périple, Fawcett découvre des restes de poteries dans la jungle. Et aperçoit des sculptures gigantesques, proches d’un plateau inaccessible. Il est persuadé que se trouve là la fameuse City of Z, la preuve que derrière ces tribus de « sauvages » se trouve une civilisation perdue qui, il y a des siècles, n’avait rien à envier au brillant et rayonnant empire britannique.
Le retour glorieux en Angleterre de ce fier militaire toujours à la recherche d’honneurs (nous sommes au début du XXe siècle) ne lui suffit pas. Il veut retourner sur place et devenir celui qui a découvert Z. Il sera appuyé par un riche mécène et passera de longues années à tenter de trouver ces ruines. En vain. Il apprendra beaucoup des tribus, rapporte des témoignages sur leurs mœurs, leurs pratiques de chasseurs mais aussi d’agriculteurs, preuve qu’ils ne sont pas si arriérés que veulent le faire croire les autorités locales ou les savants anglais persuadés qu’ils sont tous cannibales.

■ Tournage éprouvant
Le film de James Gray, belle et profonde épopée entre Angleterre guindée et chaleur moite de la forêt équatoriale, montre surtout la lente et inexorable dérive de Fawcett vers une obsession capable de prendre le dessus sur tout, même sa famille. Après l’intermède de la première guerre mondiale, blessé, il se retire et semble avoir tiré un trait sur sa folle entreprise. Mais c’est son fils, Jack (Tom Holland), devenu adulte qui le pousse à repartir. Ensemble ils vont aller encore plus loin à l’intérieur de l’enfer vert. Et y disparaître à jamais.
Habitué à des films urbains, tournés à New York, James Gray, esthète du 7e art, a pris d’énormes risques pour ce film. Loin de son confort de travail habituel, il a plongé ses acteurs dans une ambiance éprouvante. Chaleur, humidité, bestioles en tous genres et surtout le choix de tourner en 35 mm, comme pour retrouver les lourdeurs de l’expédition de Fawcett. Cela donne une impression harassante, de lutte quotidienne pour survivre, avancer, sans jamais savoir ce qu’il y aura derrière le prochain arbre. Si ce n’est que ce sera dangereux et mortel.
Du très grand cinéma d’aventure comme on n’en fait plus beaucoup, les autres réalisateurs préfèrent utiliser les techniques de réalité virtuelle, « motion capture » et autres fonds verts permettant aux acteurs, une fois la prise achevée, de rentrer dans le confort douillet de leurs palaces hollywoodiens. 
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Robert Pattinson barbu et transpirant
 
Vom Boot aus beobachtet Henry Costin (Robert Pattinson) den undurchdringlichen Dschungel


L’icône masculine, si craquante dans Twilight au point d’être admirée et adulée par des millions d’adolescentes en mal d’amour, change totalement de registre dans le film de James Gray. Preuve que Robert Pattinson, formé au théâtre britannique, a de réelles qualités d’acteurs en plus d’une belle gueule. Pourtant ce n’est pas ce qui est mis en avant dans son personnage de Henry Costin. Aventurier anglais vadrouillant dans cette Amérique du Sud de tous les dangers, il sait manier le revolver. Et la bouteille. Les premiers contacts avec le très rigoureux Fawcett sont tendus. Il est vrai que Costin, barbu, sale et suant, n’est pas un compagnon de rêve. Désinvolte, résigné, il se révèle pourtant un compagnon d’une rare efficacité pour l’obstiné explorateur.
Robert Pattinson, dans ce second rôle effacé, en fait juste assez, sans jamais tenter de se mettre en avant. Un bon soldat qu’il deviendra, fidèle à son supérieur au point de demander à le rejoindre dans cet autre enfer que sont les tranchées françaises. Pas la moindre conquête féminine pour l’acteur. Une exception dans sa filmographie.
Dans sa vie privée il en va tout autrement. Après sa liaison très glamour avec Kristen Stewart, l’autre actrice vedette de la saga des vampires pour ados, il a multiplié les conquêtes, comme pour tenter d’oublier la belle qui depuis a fait son coming-out. Depuis quelques années il se serait « stabilisé » avec la chanteuse anglaise FKA Twigs. Mais les rumeurs vont bon train. D’autant qu’un nouveau Twilight serait en chantier avec la reformation, à l’écran, du célèbre couple. 

09/03/2017

DVD et blu-ray : « Rusty James », pépite restaurée

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De tous ses films, Francis Ford Coppola a toujours affirmé que son préféré, celui qui a une place particulière dans son cœur, reste et restera « Rusty James ». Cette nouvelle édition en blu-ray nous permet de redécouvrir ce long-métrage devenu culte depuis sa sortie en 1983. En plus d’une distribution ébouriffante, ce « teen movie » a changé bien des codes du genre. Par sa lumière, sa musique et son montage, déroutant pour l’époque, simplement moderne aujourd’hui.
Rusty James (Matt Dillon) est une petite frappe de Tulsa en Oklahoma. Amoureux de Patty (Diane Lane), il ne va au lycée que pour y rencontrer ses amis et sa copine. La plupart du temps, il joue au billard dans des bars malfamés. C’est là qu’il apprend que le caïd de la bande adverse veut en découdre avec lui. Rusty aime se battre. Dans une friche industrielle, la baston générale sous la caméra de Coppola ressemble à un ballet de danse contemporaine. Rusty, grièvement blessé, est sauvé in extremis par son grand frère Motorcycle Boy (Mickey Rourke). Le film explore, plus que les dérives adolescentes, les difficiles relations dans une famille ravagée. Le grand frère, après des années de dérive violente, s’est assagi. Il tente de persuader son petit frère de ne pas prendre la même voie. Le père, alcoolique (Dennis Hooper), est le repoussoir et le lien du trio.
Cela a ouvertement des airs de tragédie grecque et on trouve également dans les seconds rôles, excusez du peu, Nicolas Cage, Tom Waits ou Laurence Fishburne. Pour mieux comprendre ce classique, en plus du blu-ray simple riche de nombreux bonus comme le commentaire audio de Coppola, 20 minutes de scènes coupées et un making of à Tulsa, un coffret est proposé avec un livre de 200 pages signé Adrienne Boutang.
➤ « Rusty James », Wild Side Video, 19,99 € le blu-ray simple, 49,99 € le coffret

02/03/2017

DVD et blu-ray : le ver est dans le fruit avec "Viral"

« Viral » a de airs de film de zombies mais son propos est un peu plus complexe. Il donne l’explication, presque scientifique, de la mutation observée chez certains humains. En cause un ver, sorte d’alien qui prend possession des corps, comme dans le légendaire « L’invasion des profanateurs ». L’action se déroule dans une petite ville des USA, perdue au milieu du désert. Là, deux sœurs (Sofia Black d’Elia et Alaleigh Tipton) se retrouvent seules face à la contamination générale de la population. Le secteur mis en quarantaine, elles devront tenter de se protéger de ces « choses » cherchant à dominer le monde à grands coups de crachats sanglants en pleine face… C’est gore, mais pas trop. La romance est un peu appuyée, les effets spéciaux rares mais réussis. Un petit film de série B sans trop de prétention mais parfaitement réalisé, avec tous les codes du genre par le duo Henry Joost et Ariel Schulman.
➤ « Viral », Wildside vidéo, 14,99 € le DVD, 19,99 € le b-r. 

10:01 Publié dans Film | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : viral, wildside, joost, schulman

01/03/2017

Cinéma : Le retour des Ecossais fous de "Trainspotting"

TRAINSPOTTING 2. Danny Boyle a osé. Osé faire une suite à Trainspotting, son film culte de la fin des années 90. Les jeunes Écossais ont vieilli. Leur folie est toujours source d'incroyables péripéties.
 
 
La sortie de « Trainspotting » en 1996 a pour beaucoup été un choc inoubliable. Danny Boyle y mettait en vedette une jeunesse écossaise gangrenée par la drogue. Film devenu culte, lançant la carrière du réalisateur britannique mais également des acteurs principaux dont Ewan McGregor qui depuis a conquis Hollywood. Vingt ans plus tard, Danny Boyle reprend la même bande et plonge en pleine nostalgie un public de fans qui, comme lui et les personnages, a pris 20 ans dans les dents. Cela aurait pu être une opportunité pour relancer une carrière déclinante (on a vu en France quelques catastrophes issues de tels montages financiers), mais c’est un formidable film parfaitement dosé entre clins d’œil, nostalgie et remise en question. Avec ce petit plus qui va avec l’âge : l’optimisme.
Il y a 20 ans, Mark « Rent Boy » (Ewan McGregor) trahissait ses potes et partait avec le magot. Aujourd’hui il est de retour à Glasgow. Pour la première fois. Il est rangé. Une compagne, un boulot honnête aux Pays-Bas. C’est un malaise cardiaque qui le pousse à vouloir revoir son pays natal, si dé- testé, mais qui lui manque tant. Pendant ce temps, les trois escroqués ont continué vaille que vaille leur vie de merde sous la pluie et le crachin de Glasgow. Spud (Ewen Bremner), toujours junkie, tente encore une fois de décrocher. En vain. Il écrit une ultime lettre à la mère de son fils et se lance dans une nouvelle tentative de suicide. Simon « Sick Boy » (Jonny Lee Miller), tout en tenant le bar dé- sert de sa tante, utilise les charmes de sa petite amie du moment Veronica (Anjela Nedyalkova) pour faire chanter des maris volages. Quant à Begbie (Robert Carlyle) il croupit en prison depuis des années.
■ Begbie le furieux
Mark décide de rendre visite à Spud et le sauve in extremis. Les retrouvailles avec Simon sont plus agitées. Il n’a pas pardonné. Reste qu’il a besoin de Mark pour une nouvelle arnaque. Donc, ils se rabibochent. Le problème viendra de Begbie. Il parvient à s’évader et quand il apprend que Mark est dans les parages, il pète de nouveau les plombs et se lance dans une vendetta redoutable.
Le film, enlevé, rythmé par une bande-son très vintage, est un ré- gal. Surtout si l’on a déjà vu le premier. On retrouve des lieux emblématiques comme les toilettes crasseuses du pub, lieu du pire trip d’héroïnomane du cinéma. Ou le retour à la campagne, pour rendre hommage à Tommy. Car c’est la grande nouveauté du film, il y a du sens et de l’empathie. Les trois copains à la dérive (Mark a beaucoup embelli sa situation à Amsterdam) vont se comprendre, s’unir, s’épauler et trouver leur voie. Le personnage de Spud prend une dimension plus importante, plus centrale dans l’intrigue. Le grand dadais, touchant de maladresse et de frousse, va trouver un dérivatif à l’héroïne. Et même Begbie va prendre conscience que son monde, fait de colère et de violence, ne peut pas être bon pour ses proches.
Et comme dans toute combine il faut un gagnant, ce ne sera pas Mark qui cette fois l’emportera mais le personnage qui en aura le plus besoin. Et qui sans doute le mérite le plus. 
 
 
Robert Carlyle crève l'écran
 
 
 
Du premier volet de Trainspotting, deux acteurs ont particulièrement émergé. Ewan McGregor (Star Wars) en premier lieu et dans une moindre mesure Robert Carlyle. Après des rôles dans des drames sociaux typiques du cinéma anglais, il explose dans le rôle de Begbie, énervé chronique, alcoolique et violent. Essai transformé avec sa participation à « The Full Monty », l’histoire des chômeurs stripteaseurs. Tout en tournant en Angleterre, il est aussi de nombre de films américains. Il devient un « méchant » récurrent, spécialiste de seconds rôles savoureux.
En même temps il accepte souvent les participations à des séries télé populaires et son visage devient de plus en plus connu. Notamment quand il devient le personnage principal de « Stargate Universe » pour deux saisons et le grand méchant de « Once upon a time ».
Dans Trainspotting 2 il porte sur ses épaules l’essentiel du volet comique du film de Danny Boyle. Sa technique pour s’évader est osée mais surtout hilarante. Et quand il découvre le retour de Mark, son pire ennemi, à Glasgow, il se transforme en fou furieux capable de tout. En cavale, ses déguisements, ratés, attirent toujours l’attention. Sans compter que ses longues années de prison ont eu des effets néfastes sur sa libido et sa virilité. Alors se lancer dans une course-poursuite dans les faubourgs de la capitale écossaise, après avoir ingurgité six comprimés de viagra n’est pas chose aisée. Autant que de ne pas rire à gorge déployée dans le cinéma